Method Acting erklärt: Lee Strasbergs Methode und ihre Grenzen

Marlon Brando steht 1951 als Stanley Kowalski auf der Bühne von „Endstation Sehnsucht“. Etwas an seinem Spiel wirkt anders als alles, was das amerikanische Theater bis dahin kannte. Method Acting heißt die Methode dahinter. Ein Kunstwort, gebildet aus „acting method“ durch Vertauschung der beiden Wörter. Entwickelt hat sie Lee Strasberg. Er baute dabei auf der frühen Lehre Konstantin Stanislawskis auf. Bis heute gilt Method Acting als eine der einflussreichsten Schauspielmethoden überhaupt. Ihre Geschichte beginnt lange vor Brandos erstem großen Filmerfolg.

Was Method Acting bedeutet

Diese Methode ist die US-amerikanische Spielart des Naturalismus im Schauspiel. Der Schauspieler stellt Bezüge der Rolle zum eigenen Leben her. Er zieht eigene Erinnerungen heran. Er arbeitet mit gezielten Entspannungstechniken. Für ihn war Schauspielern vor allem eines: die Fähigkeit, auf imaginäre Reize zu reagieren. Reine Nachahmung genügte ihm nicht. Bloße Zurschaustellung auch nicht.

Damit diese Reaktion gelingt, stellt sich der Schauspieler nach dieser Methode vier Fragen zu seiner Figur. Wer ist sie? Wo befindet sie sich gerade? Was tut sie an diesem Ort? Was ist geschehen, bevor sie dort ankam? Vier einfache Fragen. Aus ihnen wächst eine ganze Figur. Wer wissen will, was diese Methode im Alltag einer Probe bedeutet, findet in genau diesen vier Fragen ihren praktischen Kern. So schlicht sie klingen, in der Probenarbeit öffnen sie einen ganzen Raum an Entscheidungen. Jede Antwort verändert, wie eine Szene gespielt wird.

Der Weg vom Moskauer Künstlertheater zum Group Theatre

Die Geschichte dieser Methode beginnt in Moskau. Konstantin Stanislawski gastierte im Januar 1923 mit seinem Künstlertheater in New York. Seine Arbeit galt vielen dortigen Bühnenschauspielern als zukunftsweisend. Sein Schüler Richard Boleslawski war selbst in die USA ausgewandert. Im Juni desselben Jahres gründete er das Lab Theatre. Unterstützt wurde er dabei von Maria Ouspenskaya, die ebenfalls mit Stanislawski nach New York gekommen war und blieb. Für Nachwuchsschauspieler wie Lee Strasberg und Stella Adler wurde diese Schule zur Grundlage einer neuen Schauspielkunst.

1931 schlossen sich Lee Strasberg, Stella Adler, Sanford Meisner und weitere Anhänger des Stanislawski-Systems im New Yorker Group Theatre zusammen. Sie teilten dieselbe Wurzel und dieselbe Bühne. Das Group Theatre selbst brachte etwas Neues auf die amerikanische Bühne: den Naturalismus. Die Ensemble-Mitglieder verstanden sich als Kollektiv. Genau aus diesem Kollektiv heraus entwickelten drei seiner Mitglieder unabhängig voneinander eigene Systeme. Diese gemeinsame Ausgangslage erklärt, warum ihre späteren Methoden trotz derselben Wurzel so unterschiedlich ausfielen. Wie ihre Wege später auseinanderliefen und worin genau sich diese Methode von Konstantin Stanislawskis eigenem System unterscheidet, liest du ausführlich in unserem Beitrag zur Stanislawski-Methode.

Das Actors Studio und der Weltruhm des Method Acting

1947 gründete Lee Strasberg gemeinsam mit Cheryl Crawford, Robert Lewis und Elia Kazan die Schauspielwerkstatt Actors Studio in New York. Sie wurde zu einem der wichtigsten Anziehungspunkte für angehende Bühnen- und Filmschauspieler ihrer Zeit. Auch Dramatiker suchten dort Rat. Von 1951 bis 1982 blieb er ihr künstlerischer Leiter.

Weltberühmt wurde Method Acting Anfang der 1950er Jahre. Marlon Brandos Filme wie „Endstation Sehnsucht“ und „Der Wilde“ liefen in den Kinos an. Von da an war das Actors Studio für viele der Ort, an dem sich amerikanisches Filmschauspiel neu erfand. Konzentriert, introspektiv, radikal auf die eigene Erinnerung gerichtet.

Wie Lee Strasberg mit Erinnerung arbeitete

Im Zentrum seiner Arbeit stehen Erinnerungstechniken. Entspannung soll die Konzentration steigern. Erinnerungen an eigene Erlebnisse, die der gespielten Situation nahekommen, sollen ein authentisches Erleben ermöglichen. Er unterschied drei Arten der Erinnerung.

Affective Memory ist das Wiedererleben einer vergangenen Erfahrung. Ausgelöst wird sie durch einen bestimmten Reiz. Die Entdeckung dieser Technik schrieb er dem Psychologen Théodule Ribot zu und brachte sie mit Iwan Pawlow und Sigmund Freud in Verbindung. Sense Memory bezieht sich auf einfache Sinneseindrücke. Das Geräusch von Regen zum Beispiel, oder ein bestimmter Geruch. Emotional Memory schließlich meint die Erinnerung an komplexe Gefühle. Für ihn war das die höchste Stufe des schauspielerischen Erinnerns. Zwischen Bühnen und Filmschauspiel sah er im Übrigen kaum einen Unterschied und verwies dabei anerkennend auf Charlie Chaplin und Laurence Olivier.

Eine weitere zentrale Übung war der Private Moment, die öffentliche Einsamkeit. Der Schauspieler ruft ein privates Verhalten in Erinnerung. Er wiederholt es vor Publikum, um sich von der Bühnensituation zu lösen und näher an sich selbst heranzukommen.

In den 1940er Jahren, der Blütezeit des Musicals, kamen viele seiner Schüler aus dem Musiktheater. Sie sollten Gesang und Tanz mit echtem Schauspiel verbinden, nicht bloß als äußere Routine vortragen. Dafür entwickelte er die Song and Dance Exercise. Er zerlegte die musikalischen und tänzerischen Abläufe so lange, bis die Darsteller ganz auf sich selbst zurückgeworfen waren. Erst dann, so seine Überzeugung, wurde aus einer einstudierten Nummer echtes Spiel.

Sein Ansatz lehnt sich zudem an Sigmund Freuds Konzept der Psychoanalyse an. Introspektion, das Sprechen über das eigene Selbst und der Zugang zu unbewussten Inhalten werden bei ihm zu Werkzeugen der Kunst, nicht nur der Therapie. „Der Schauspieler muss voll und ganz an das glauben, was er auf der Bühne denkt und sagt“, schrieb er 1965 in seinem Essay „Der Schauspieler und er selbst“.

Was diese Methode von Stanislawski unterscheidet

Genau an diesem Punkt trennten sich die Wege innerhalb des Group Theatre. Stella Adler und Sanford Meisner warfen Lee Strasberg vor, Konstantin Stanislawskis spätere Entwicklung nicht zu kennen. Er sei stets nur mit Lehrern der älteren Generation in Kontakt gekommen, so ihr Vorwurf. Sie selbst war zuvor nach Paris gereist, hatte Konstantin Stanislawski dort persönlich kennengelernt und fünf Wochen lang als seine Privatschülerin in Moskau studiert. Genau daraus zog sie ihre Autorität für die Kritik. Sie legte ihren eigenen Schülern etwas anderes nahe. Für eine glaubwürdige Darstellung sollten sie die Stimmungen nutzen, die ihnen die anderen Schauspieler auf der Bühne boten. Er selbst hielt seine Schüler dazu an, im eigenen Erinnerungsschatz zu forschen, der sogenannten Technique of Substitution. Nach seinem Tod brachte sie die jahrzehntelange Rivalität auf einen einzigen, harten Satz: „Dieser Mann hat das amerikanische Theater um 100 Jahre zurückgeworfen.“

Sanford Meisner ging noch einen Schritt weiter. Von 1935 bis 1990 unterrichtete er an der Neighborhood Playhouse in New York. Über sein Fach sagte er einmal, es brauche zwanzig Jahre, um wirklich Schauspieler zu werden. Talent blieb für ihn eine notwendige Grundlage, mehr nicht. Die eigentliche Fähigkeit komme aus verfeinerten Instinkten, die sich erst im Zusammenspiel mit einem echten Partner zeigen. Mit der Meisner-Technik entwickelte er ein Verfahren, das den Schauspieler von seinem Partner auf der Bühne aus arbeiten lässt. Die eigene Erinnerung tritt dabei in den Hintergrund. Wie genau sich diese Wurzeln bei Konstantin Stanislawski selbst unterscheiden, zeigt unser Beitrag zur Stanislawski-Methode im Detail.

Chancen und Grenzen von Method Acting

Die reduzierte Interaktion mit dem Publikum und die Konzentration auf die eigene innere Wahrheit machten diese Methode zu einer passenden Grundlage für das Filmschauspiel. Die Kamera verzeiht keine gespielte Emotion. Sie verlangt eine echte. Genau hier lag die Stärke seines Ansatzes. Genau darin liegt bis heute der Grund, warum Method Acting vor allem mit dem Kino verbunden bleibt.

Zugleich lohnt ein genauer Blick auf das, was ihr oft zugeschrieben wird. Robert De Niros körperliche Verwandlungen für bestimmte Rollen gelten vielen als Paradebeispiel. Im engeren Sinn geht diese Praxis auf eine eigene Tradition zurück, den sogenannten Delsartismus. Zur Methode selbst gehört sie streng genommen nicht. Auch Marlon Brando und Robert De Niro, die beide oft mit dieser Methode in Verbindung gebracht werden, nahmen zusätzlich Unterricht am Stella Adler Studio of Acting.

Die reduzierte Bühnenpräsenz sorgte im Theater der 1960er Jahre zudem für Gegenbewegungen, etwa durch die Performance-Konzepte von Richard Schechner. Für das Filmschauspiel entwickelte der Regisseur Eric Morris den Ansatz in den 1970er Jahren eigenständig weiter.

Er selbst betonte außerdem, dass ein Schauspieler oft jahrelangen Abstand zu bestimmten Erinnerungen braucht, um sie kontrolliert einsetzen zu können. Erinnerungsarbeit ist bei ihm kein Selbstläufer. Sie ist auch kein Trick für den schnellen Effekt. Sie verlangt Zeit, Übung und eine reife Selbstkenntnis. Drei Dinge, die sich in keiner einzigen Probe erzwingen lassen.

Was von Method Acting bleibt

Diese Methode hat das Filmschauspiel des 20. Jahrhunderts geprägt wie kaum ein anderer Ansatz. Es hat aber auch etwas anderes gezeigt. Wie unterschiedlich sich eine einzige Wurzel, das System Konstantin Stanislawskis, weiterentwickeln kann. Alle drei kamen aus demselben Group Theatre. Und fanden doch zu grundverschiedenen Wegen, Wahrheit auf der Bühne herzustellen.

Wer heute vor einer Rolle steht, wählt bewusst aus diesen Systemen das, was zur eigenen Vorstellungskraft passt, zur eigenen Arbeitsweise mit Erinnerung und Imagination. Genau diese Auswahl ist Teil des schauspielerischen Handwerks selbst. Das Wissen um seinen Ansatz, um seine Grenzen und um die Kritik seiner eigenen Weggefährten gehört zu diesem Handwerk dazu.

Diese Auseinandersetzung mit der eigenen Methodengeschichte trägt eine gute Schauspielausbildung, ganz gleich, mit welchem Ansatz später am Set oder auf der Bühne gearbeitet wird. Wenn dich diese Fragen selbst interessieren, findest du in unserer Ausbildung Raum, sie praktisch zu untersuchen.